Humo sobre el agua en un día sin música

Días de verano en los finales de los setenta. Obligaciones y responsabilidades, pocas. “Amistades”, muchas. Tras el riego de la mañana y quitar todo tipo de jaramagos, sí así lo exigía el guión, a partir de las doce y media quedábamos en casa de alguno de ellos, especialmente del que tenía el mejor equipo de música y poníamos lo que nos gustaba. Por los altavoces sonaban AC/DC, The Clash, Deep Purple, The Specials, o los Leño. Eramos tipos duros. De entre los discos más escuchados Made in Japan, un doble álbum en directo de la banda inglesa de rock Deep Purple, grabado durante su primera gira en Japón, en agosto de 1972. 

El disco, publicado originalmente en diciembre de ese mismo año y en los Estados Unidos en abril de 1973, fue uno de sus mayores éxitos comerciales del grupo y recibió buenas críticas. Los acordes de Smoke in the water, de hecho, creo que son los más imitados de la historia de la música. La banda, encabezada por el gigante guitarrista Ritchie Blackmore , Ian Paice (batería) y Jon Lord (órgano) tenía por entonces como voz a Ian Gillan y a Roger Glover como bajo. Parece ser que estaba en tránsito para pasar de un sonido más psicodélico al su seña de identidad: hard rock. 

Fue el disco en directo lo que , para mí, marco su trayectoria. La banda no estaba muy entusiasmada con el hecho de grabar un disco en vivo hasta que la división japonesa de su compañía discográfica le comentó que sería positivo para generar publicidad. El grupo, que aunque insistió en supervisar la producción y de contratar para tal tarea a su antiguo ingeniero Martin Birch, no se mostró particularmente interesado en el lanzamiento del álbum, ni siquiera tras su grabación. El grupo rechazaba la idea de publicar un álbum en directo, ya que creía que era imposible de reproducir en un LP la calidad y experiencia de sus conciertos. La gira por el país nipón fue un éxito, con un fuerte interés de los medios y una respuesta positiva por parte de los aficionados. 

El álbum fue un éxito comercial, especialmente en los Estados Unidos, donde estuvo acompañado por la buena recepción del sencillo «Smoke on the Water» que alcanzó el top 5 del Billboard Hot 100, y mantuvo unas ventas constantes a lo largo de la década de 1970. A pesar de su longevidad, el disco continúa recibiendo elogios. Una encuesta a los lectores de la revista Rolling Stone situó a Made in Japan como el sexto mejor álbum en directo de todos los tiempos. 

Deep Purple llegó a Japón el 9 de agosto, una semana antes del primer y concierto, con una calurosa recepción en la que recibió regalos y flores. El disco se grabó en agosto de 1972, en conciertos desarrollados en Osaka – en el Festival Hall- y en el Nippon Budokan – el 17 de agosto- en Tokio. Las entradas se agotaron casi inmediatamente, lo que hizo que la división japonesa de Warner Bros. Records quisiera grabar los conciertos para su publicación en un álbum en directo solamente en el país nipón. La banda finalmente aceptó la idea, pero insistió en si iba a salir a la venta, que se hiciera de manera adecuada. Gillan comentó al respecto: «Dijimos que elegiríamos el equipo, que usaríamos a nuestro ingeniero y que tendríamos la última palabra sobre que cintas iban a ser publicadas». 

El grupo contrató al productor Martin Birch, que había trabajado en sus anteriores álbumes de estudio, para que grabara las actuaciones con un grabador de ocho pistas y posteriormente pudieran ser mezcladas por los propios músicos. Birch no estaba seguro de que la calidad de la grabación fuera satisfactoria, ya que el equipo que le suministró la Warner Bros. no tenía ningún control de balance y era demasiado pequeño. La banda optó por no interesarse por el resultado final y se concentró simplemente en realizar una buena actuación. Según John Lord el presupuesto para realizar el disco era de únicamente tres mil dólares 

De los tres conciertos, el segundo concierto en Osaka fue considerado el más sólido de los dos para Birch, aunque a la banda le gustó más su actuación del 17 de agosto en Tokio. Pero de lo que aparece grabado la mayoría de las pistas provienen del segundo de Osaka. Sólo se utilizó una canción de la actuación del 15 de agosto, «Smoke on the Water», y se debió porque fue la única de las interpretaciones del tema en la que Blackmore realizó el riff inicial de manera correcta. 

El bajista Glover quedó asombrado con «Doce o trece mil chicos japoneses estaban cantando con nosotros “Child in Time”» y lo consideró un punto culminante de su carrera. Lord destacó que sintió que la espontaneidad y la interacción entre los miembros y el público quedaron bien capturadas.

El quinteto comenzaba sus conciertos con «Highway Star» y los terminaba con «Lazy» y «Space Truckin'», y siguiendo las normas impuestas por Pete Towshend Blackmore destrozó su guitarra al final de «Space Truckin'» y la lanzó al público. Como la banda no consideraba el álbum de vital importancia, sólo Glover y Paice se presentaron para la mezcla. Según Birch, Gillan y Blackmore nunca escucharon el resultado final. El grupo no deseaba que el disco saliera a la venta fuera de Japón y quería tener plenos derechos sobre las cintas, sin embargo, el álbum fue publicado , afortunadamente, mundialmente de todos modos. El propio Glover se encargó del diseño artístico, que contiene una fotografía de la banda en color en la portada y en la contraportada, y varias imágenes en blanco y negro en la carpeta interior. 

La discográfica aprovechó para poner en el mercado el sencillo «Smoke on the Water» ,que incluye la versión en directo de Made in Japan y la de estudio de Machine Head, y que se situó en el cuarto puesto del Billboard Hot 100. Una grabación de «Black Night», realizada en el concierto de Tokio, salió a la venta como cara B del sencillo «Woman from Tokyo» en Europa y como cara A en Japón. 

La versión japonesa, titulada Live in Japan, contó con un diseño artístico distinto que contiene fotografías tomadas en el Brixton Academy de Londres y un mensaje escrito a mano por cada miembro de la banda. 

La propia banda tuvo sentimientos encontrados sobre el álbum. Gillan crítico su actuación , mientras que Paice y Lord tuvieron una impresión muy positiva. Warner Bros. Japan guardó cuidadosamente las pistas grabadas de los tres conciertos para su uso en el futuro, cosa que hizo posteriormente. Todas las canciones compuestas por Ritchie Blackmore, Ian Gillan, Jon Lord, Ian Paice y Roger Glover. 

La cara A contiene dos canciones Highway Star y Child in Time ambas del 16 de agosto en Osaka. El doble disco empieza con «Highway Star» «Estrella de la carretera», una de las canciones más famosas del caracterizada por su solo de guitarra inspirado en temas clásicos y un solo de teclado inspirado en Bach. La canción aparece en su versión de estudio en el álbum de 1972 Machine Head, siendo el tema grabado con el tempo más rápido en dicho álbum. El tema nació en un viaje de la banda en autobús a Portsmouth en 1971 cuando un entrevistador preguntó al grupo cómo componían sus canciones. Para hacer una demostración, el guitarrista Ritchie Blackmore comenzó a tocar un riff repitiendo la nota sol, mientras Ian Gillan cantaba unos versos improvisados. El tema fue mejorado esa misma noche. 

La estructura de la canción consiste en una introducción de 35 segundos de guitarra, que al terminar deja paso al riff principal en el que se repiten dos veces las estrofas del tema. Comienza el solo de teclado que dura sobre un minuto y al terminar, Gillan empieza a cantar la tercera estrofa del tema que, al terminar, da comienzo con el solo de guitarra, y finalmente se repite la primera estrofa hasta el final de la canción. La canción ha sido incluida en la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Episodes from Liberty City (en la estación de radio ficticia LIberty Rock Radio 97.8) y en el videojuego Rock N' Roll Racing, y también aparece en la banda sonora de la película El Lobo de Courtois. 

Le sigue "Child in Time" con de una duración de unos doce minutos creada para el álbum In rock de 1970. La introducción es llevada a cabo por Jon Lord, que toca un solo con el órgano Hammond acompañado de la voz de Ian Gillan, de fuerza creciente, considerada por muchos como lo máximo a lo que puede llegar cualquier voz dentro del hard rock. 

Durante la primera parte, lo más importante es, como se ha dicho, la actuación del Hammond y del vocalista acompañados ligeramente por la batería. Después, tras ir ganando en intensidad poco a poco, llega el clímax del tema. Fue escrita en 1969. Trata sobre el bien, el mal y la justicia; está basada en la muerte del padre del violinista David LaFlamme durante la Guerra Fría y en lo que sufrió el mismo David y se inspira en un riff de la canción "Bombay Calling" de una banda - It's a Beautiful Day- . Este riff era tocado por violines y con un tempo mucho más rápido. Es una de las primeras canciones de heavy metal y además su introducción presenta una serie de sonidos de carácter progresivo. 

La cara B del primer LP comienza con el más famoso y reconocible de todos los temas del grupo «Smoke on the Water» - tocada el 15 de agosto en Osaka- , una canción publicada en el álbum Machine Head en el año 1972. Es reconocida por su riff central, tocado por Ritchie Blackmore con una guitarra Fender Stratocaster que se ha convertido en uno de los riffs más famosos de la historia del rock mundial. La canción cuenta la historia del incendio del Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante un concierto de Frank Zappa cuando una persona del público arrojó una bengala hacia el techo del escenario y se incendió el lugar, que precisamente era el sitio en donde iba a empezar a grabar Deep Purple al día siguiente el álbum Machine Head. El humo del incendio sobre el lago Lemán inspiró la letra de la canción a Ian Gillan. Es conocida por la simplicidad de su melodía de introducción 

Tras Smoke aparece The mule – de su actuación del 17 de agosto en Tokio - publicada originalmente en 1971 en el álbum Fireball. La fama ha llegado a este tema por su puesta en escena en los conciertos del grupo, en las cuales siempre viene acompañada por un solo de batería de Ian Paice, que esa ocasión Paice tocó un solo de 6 minutos de duración, pero que no está incluido en el álbum, ya que aproximadamente la mitad de las pistas de audio de batería fueron borradas por error mientras se grababa la canción en el estudio. La canción empieza con el sonido de un tambor los primeros 10 segundos, justo después entran la guitarra de Ritchie Blackmore, el bajo de Roger Glover y el teclado de Jon Lord. Ian Gillan empieza a cantar entonces hablando de “The Mule”, y empiezan tres minutos y medio de solos de teclado y guitarra. 

El lado 3 del segundo LP comienza con «Strange Kind of Woman» "Strange Kind Of Woman" es una canción perteneciente al quinto álbum de estudio de la banda británica Deep Purple, Fue lanzado como single a principios de 1971. Una canción originalmente se llamaria "Prostitute" por la que Gillan y Blackmore se batían en duelo Guitarra/Voz. Fue interpretada el 16 de agosto en Osaka 

Tras esta vendría «Lazy» incluida en el álbum Machine Head en el año 1972 y tocada el 17 de agosto en Tokio. La canción comienza como solo instrumental del tecladista Jon Lord con su órgano Hammond, es seguida por el riff principal y con un intercambios de solos entre él mismo y el guitarrista Ritchie Blackmore. El vocalista Ian Gillan llega con las voces más adelante en la canción. También utiliza la armónica, tanto en la versión de estudio y en directo. Con más de 7 minutos de duración, es el tema más largo del disco, y versiones en vivo a menudo se extendieron más allá de 10 minutos. Para muchos es uno de los mejores temas del disco, junto al tema de cabecera Highway Star y el mítico Smoke on the water. 

Finalmente acaba como era tradicional con «Space Truckin'» grabado el 16 de agosto en Osaka y que dura la friolera de más de 16 minutos. Tras el cual Blackmore rompió su guitarra. 

El autor de la biografía del grupo, Dave Thompson, escribió: «La reputación del primer (y mejor) álbum en directo de Deep Purple apenas ha disminuido treinta años después de su lanzamiento». Por otra parte, Michael Lydon incluyó Made in Japan en su libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. Yo, ya lo he hecho. Desde aquellos finales de los noventa vuelvo en reiteradas ocasiones al grupo, especialmente a mi querido Smoke on the water, y lo quiero publicar por ser hoy el "Día sin música". 

La música estará siempre en mi recuerdo, aunque reconozco que yo ya no oigo, sino aquellos música que escuchaba en mi juventud. No estoy abierto a las novedades musicales y simplemente no me interesan. Considero que es cierto que el IVA cultural es caro, especialmente si lo comparamos con el de otros países, pero entiendo igualmente que es preferible que esté caro el IVA de la cultura, un 21 % , antes de que suba el IVA de los alimentos básicos o de bienes infinitamente más esenciales. La música no es un lujo, pero sí un placer, y los placeres los pagas, salvo que seas político, gente vinculada con las grandes empresas o incluso gente de la cultura. Seguro que ellos reciben más prebendas económicas y culturales que yo. Seguro que los invitan a un concierto antes que a mí. 

Como siempre es un problema de dignidad y de trabajo. Ahora en España - como nunca ha ocurrido- afortunadamente se escucha más música en directo . Los músicos están siendo como cualquier hijo de vecino, trabajadores. Han de ir a trabajar para vivir, como cualquier ciudadano de este estado, y no cumplir con el sueño dorado de cualquier español, de cualquier sinvergüenza: vivir de las rentas. Un saludo

La visita de un Rey

A sus 80 años B.B. King pasó por el Festival de la Guitarra de Córdoba dándonos un recital apoteósico. Era el siete del mes de julio del año 2006. El concierto tuvo lugar en la Plaza de Toros y empezó sobre las 10 de la noche. Aún era de día. Fuí con un amigo, y de dí una razón de peso para ir al concierto ¿Tú crees que lo volveremos a ver? La respuesta era evidente, pues estaba en su gira de su ochenta aniversario y había anunciado que era su última gira por Europa. El concierto fue todo un éxito ¡y sin moverse de la silla! Claro , pues sufría de diabetes e hipertensión. El speaker lo presento - como vemos en el video- y de inmediato el músico y Lucille empezaron a compenetrarse.

No estaba lleno. Mucha gente, eso sí, pero como suele ser habitual por estos lares, la gente pausada, más bien algo parada, pues es cierto que BB King era un gran músico, muy reconocido y respetado, al fin y al cabo, cumplía con su apellido Real, era el King, pero para mucha gente podía ser el que acompañaba a Raimundo Amador. De las canciones aquí hay alguna selección de lo que tocó. Lo que sí descubrí era el interés del músico por hablar con el público y su deseo de que el público le responduiera, pero - creo- que entre los que estábamos en la arena del coso de Los Califas no había tanto conocimiento del inglés como el músico esperaba , por lo que las interactuaciones entre el múscio y el público fueron menos intensas que lo que hubiese deseado el guitarrista,  y yo mismo.

Por supuesto el músico iba con su guitarra del alma, Lucille. Lucille, es posiblemente una de las pocas guitarras con nombre propio, y es la guitarra más famosa del mundo, porque así es como la llamaba su dueño Riley B. King, conocido por su nombre artístico, B.B. King. B.B. King-'Blues Boy' King, su mote de sus primeros años de carrera siguió con su concierto de forma animosa.

Estábamos ante el rey del blues nosotros sus súbditos ante un hombre que había partido de la pobreza extrema desde su Mississippi natal. Estábamos ante un hombre que se codeaba con las mayores estrellas del rock y que había ganado 15 Grammys.

La música surgió primero, en el coro de la iglesia, y luego, ya con su guitarra fueron su vía de escape en una adolescencia marcada por la pobreza y el aislamiento. King empleó la música como terapia, y acabó convirtiéndose en historia de la música. En total, dio más de 15.000 conciertos. De hecho, BB King fue el primer negro en actuar en Las Vegas y lo hizo de la mano de su amigo Frank Sinatra. Aunque su salto a la fama masiva se produjo, según él mismo relata en su autobiografía, en 1968, en un concierto en la sala Fillmore West, en San Francisco, en 1969. "Cuando vi una hilera de blancos con melena" haciendo cola para entrar, King le dijo a su manager: "Nos han contratado en el sitio equivocado". Fue el estallido de su carrera. Y, durante las cuatro décadas y media siguientes, King se mantuvo en la cima con 'Lucille', su guitarra -que casi siempre era de la marca Gibson-. Una guitarra que toma su nombre de la mujer por la que se pelearon dos hombres del público en uno de sus recitales en la aldea de Twist, en Arkansas. La bronca alcanzó tal nivel que acabó provocando un incendio. La sala fue evacuada, pero King volvió a entrar para agarrar su guitarra antes de que ésta ardiera. Cuando se enteró de que la pelea había sido por una chica llamada 'Lucille', decidió bautizar así a todas sus guitarras. Hoy Lucille se ha quedado sola. Ha enmudecido para siempre. A nosotros nos quedan sus discos, sus conciertos y a mí , además, mis recuerdos. Una de las canciones de ese concierto fue The Thrill is gone. Aquí está el recuerdo. Fue todo un conciertazo.

Neruda y el Cartero

Ya sabéis que en determinados momentos una puerta abre otra puerta,  sobre todo si eres inquieto y estás lleno de curiosidad, como es mi caso. En este sentido el acercamiento a la poesía de Neruda, tras la lectura de Veinte poemas de amor y una canción desesperada y la Canción del Capitán, me llevaron al escritor. Y el poema me encauzó, a su vez, hacia una recreación del mismo llevada a cabo por el escrito chileno Antonio Skármeta por medio de su obra El Cartero de Neruda.

El autor como la obra fueron juntos tanto revueltos como separados al cine, especialmente allá por el año 1994, pero con un título parecido - El cartero (y Pablo Neruda)-. Una película que se hizo mundialmente famosa bajo la dirección de Michael Radford, aunque con importantes modificaciones desde el momento en que Mario (Massimo Troisi) es un "postino" , o sea, un cartero italiano, cuyo trabajo consiste en llevar el correo a un único destinatario, el poeta chileno Pablo Neruda (Philippe Noiret), que vive exiliado en el pequeño pueblo del sur de Italia. La hisytoria cinematográfica mantiene la idea de la fascinación que siente un hombre sencillo representado por Mario que acepta un empleo de cartero para entrar en contacto con un poeta como Neruda, que le enseña al cartero a usar la metáfora como herramienta de seducción. La relación es satisfactoria para cartero y para el viejo poeta que necesita en la película el aliento vital que supone vivir en el exilio.

Por contra, en la novela corta del chileno, la recien leída, Mario Jiménez, es un joven pescador, que decide abandonar su oficio para convertirse en cartero de Isla Negra, donde la única persona que recibe y envía correspondencia es el poeta Pablo Neruda. Jiménez, encantado con su trabajo, admira al poeta , y , especialmente , su capacidad para convertir ideas en metáforas. 

Un día el cartero le pide a este viejo Neruda, estamos en el año 1969, que le dedique un libro, algo que supere el breve cruce de palabras y el pago de la propina, y ese día llega, en la misma medida que llega el amor a Mario, cuando descubre a Beatriz. 

 La necesidad de decirle algo llena de contenido lleva a Mario a pedirle que le enseñe a crear metáfora para embelezar a su chica, y en este proceso de transmisión surge el acercamiento entre cartero y poema, gracias al cual vamos conocimiento los últimos años de la vida del poema no sólo en la isla negra , sino su vida pública como candidatura a la Presidencia del país, su apoyo a Salvador Allende, su nombramiento como embajador en París y su alejamiento de la isla, la concesión del Premio Nobel en 1971 y el retorno del poema y el aislamiento de los últimos días ante el golpe de estado de Pinochet en septiembre de 1973, hasta el fallecimiento del mismo, coincidiendo con el inicio de la cruel dictadura chilena. Gracias a Mario conocemos esto y mucho más de esos días en los que Chile vivió peligrosamente y, finalmente, perdió. 

Estamos ante una novela corta, sencilla, cercana y muy bien contada, pero muy intensa que a la vez es una buena crónica del Chile de los primeros 70. La edición que he terminado pertenece a Plaza & janés Editores S.A. que se vendieron en kioskos bajo el sugerente - es un decir- nombre de Grandes Pasiones de la Literatura.

Skármeta que dedica la obra a “Maltide Urrutia, inspiradora de Neruda, y a través de él, de sus humildes plagiarios”, describe la sencillez de las gentes de Isla Negra donde Neruda pasó gran parte de su última etapa vital, su manera de hablar, el peso de la oligarquía local, así como las convulsas circunstancias políticas de Chile, hasta el golpe de Estado militar en 1973. Un bello relato sobre la admiración, el amor, la lealtad y el dolor y que acaba con el entierro del poeta y la detención de Mario Jiménez.

Antonio Skarmeta está considerado una de las máximas figuras de la literatura latinoamericana. Es descendiente de croatas y un intelectual de izquierda, natural de Antofagasta (1940), y con formación universatario en los Estados Unidos.

Skármeta fue miembro del Movimiento de Acción Popular y Unitaria (MAPU) en los años de la Unidad Popular. Después del golpe militar que el propio Skármeta refiere en su libro, el escritor tuvo que salir del país junto con el cineasta Raúl Ruiz. La primera escala fue Argentina y , de allá pasará a Alemania Occidental. Durante su estancia en Alemania surge la historia del cartero de Neruda: primero para la radio alemana y luego como un guión.

La historia aparece como libro bajo el título de Ardiente paciencia, en 1985, pero luego del triunfo de la película de Michael Radford pasa a llamarse El cartero de Neruda. Esta obra ha tenido un éxito enorme, ha sido traducida a una treintena de lenguas, adaptada al cine, el teatro y la radio: "Existen más de cien versiones en el mundo", asegura Skármeta, incluso una ópera del compositor mexicano Daniel Catán.

El propio Skármeta, hombre de enorme formación cinematográfica, llevó al cine su obra sobre Neruda con el título de Ardiente paciencia —por el mismo Skármeta en 1983 como director y guionista bajo el mismo título y por Michael Radford con el nombre de El cartero en 1994, galardonada con muchos premios internacionales—. Obras suyas llevadas al cine son igualmente El baile de la Victoria en 2009 de Fernando Trueba y la pieza El plebiscito, punto de partida de la película No (2012) de Pablo Larraín.
El pasado año obtuvo el reconomiento más importante de su país al conseguir el Premio Nacional de Literatura de su país. Y no es para menos, pues ya de por sí, esta novela corta, este libro,  ha sido todo un acierto especialmente para aprender metáforas vinculadas con la alimentación: cebollas ("redondas rosas de agua") ajos ("marfiles preciosos") tomates ("rojas vísceras, ferscos soles"), papas ("harina de la noche"), atunes ("balas del profundo océano, enlutadas flechas"). Lo dicho, todo un placer.

Neruda, siglo XX

En este momento en que me ha dado por leer clásicos del siglo XX. Entre los muchos libros blancos que publicó y vendió el diario El País allá por 2002 hay un poemario importante firmado por Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, más conocido por su pseudónimo Pablo Neruda. Del mismo, además de ser poeta chileno, me era conocido algunos datos como el año de su muerte, 1973, año de la muerte de otros dos Pablo de renombre internacional, Pau Casals y Pablo Picasso, su amigo; su obtención en 1971 del Premio Nobel de Literatura y que no sólo por eso fue considerado entre los mejores y más influyentes artistas de su siglo; «el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma», según Gabriel García Márquez, fallecido el pasado año, en el mes de abril.
A lo largo de esta entrada recuerdo su vida y toco mínimamente las dos obras leídas: Veinte poemas de amor y una canción desesperada y Los versos del Capitán.

La obra elegida es Veinte poemas de amor y una canción desesperada, una de las más célebres obras del poeta chileno, una obra casi de juventud, publicado en 1924, un poemario que lanzó a su autor a la fama con apenas 19 años de edad. Pertenece, por lo tanto, a la juventud del poeta, y con ella vamos viendo la evolución consciente de su poética, que trata de salirse de los moldes del posmodernismo, visibles - según dicen- en sus primeras composiciones y, especialmente, en su primer libro, Crepusculario. 

La obra está compuesta - como refiere el título de la misma- por veinte poemas de temática amorosa, más un poema final titulado La canción desesperada. A excepción de este último, los poemas no tienen título y reciben el nombre en funión de su primera estrofa o del numero correspondiente, del I al XX.
Aunque el poemario esté basado en experiencias amorosas reales del joven Neruda, es un libro de amor que no se dirige a una amante única, sino a la experiencia amatoria. El poeta ha mezclado en sus versos las características físicas de varias mujeres reales de su primera juventud para crear una imagen de la amada irreal que no corresponde a ninguna de ellas, en concreto, sino que representa una idea puramente poética de su objeto amoroso. 

Y es que Pablo Neruda, aunque nacido en Parral, Región del Maule, el 12 de julio de 1904, pero criado entre bosques, lagos, ríos y montañas de Temuco desde 1906 optó por la poesía de temática amorosa como expresión artística desde sus inicios y de su personalidad. 

Tres años antes del Veinte poemas, con diecisiete años de edad, ya había empezado a firmar sus trabajos con el pseudónimo de Pablo Neruda, esencialmente, según se cuenta,  con el propósito de evitar el malestar del padre por tener un hijo poeta.
Lo de Neruda no está claro. El chileno nunca lo aclaró y nunca lo desmintió que lo hiciera por escritor checo Jan Neruda, o que estuviese inspirado más bien en un personaje que aparece en la novela de Arthur Conan Doyle titulada Estudio en escarlata (1887), en el que Sherlock Holmes dice ir a escuchar un concierto de Norman-Neruda, una famosa violinista. 

Veinte poemas de amor y una canción desesperada fue escrito en Santiago, lugar en donde se formaba en pedagogía francesa en el Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile.
Los temas de este libro de poemas se centran en aspectos tales como el amor (un amor de dos formas: de una manera física y sexual, que aparece situado en un tiempo pasado; y un sentimiento impreciso teñido de melancolía), la figura del amante representada frecuentemente como un ser movido por un ansia y un deseo desasosegante, imposible de satisfacer, el papel de la amada como receptora de poemas; la tristeza que se convierte en pura melancolía cuando se trata de rememorar el amor perdido; la naturaleza vista por medio del mar y la costa, el viento, los bosques, árboles y hojas, y el firmamento crepuscular o nocturno sobre el paisaje; la voz, el canto y la poesía y el cuerpo humano especialmente los ojos y los labios de la amada. 

El propio poeta señaló que Veinte poemas de amor y una canción desesperada es el resultado consciente de sustituir la ambición poética y la gran elocuencia que trataba de abarcar los misterios del hombre y el universo por un nuevo modo de expresión. 

El vocabulario se mueve entre el romanticismo y el modernismo y algunos , según he leído, pues yo ya no me acuerdo son verso alejandrino , mientras que otros son libres. 

Los poemas son 1. Cuerpo de mujer, blancas colinas, muslos blancos. 2. En su llama mortal la luz te envuelve. 3. A vastedad de pinos, rumor de olas quebrándose. 4. Es la mañana llena de tempestad. 5. Para que tú me oigas. 6. Te recuerdo como eras en el último otoño. 7. Inclinado en las tardes tiro mis tristes redes 8. Abeja blanca zumbas --ebria de miel-- en mi alma 9. Ebrio de trementina y largos besos 10. Hemos perdido aun este crepúsculo 11. Casi fuera del cielo ancla entre dos montañas 12. Para mi corazón basta tu pecho 13. He ido marcando con cruces de fuego 14. Juegas todos los días con la luz del universo 15. Me gustas cuando callas porque estás como ausente 16. En mi cielo al crepúsculo eres como una nube 17. Pensando, enredando sombras en la profunda soledad 18. Aquí te amo 19. Niña morena y ágil, el sol que hace las frutas 20. Puedo escribir los versos más tristes esta noche. Acabando con la enorme Una canción desesperada. 

De entre esos Veinte poemas de amor y una canción desesperada os propongo que escuchéis el XII encabezado por  Para mi corazón basta tu pecho , en versión de Pablo Milanés;  el XX, en la voz del cantante que estuvo tanto tiempo instalado en España, Alberto Cortez, y la Canción desesperada en la voz rota de Paco Ibañez.

Para mi corazón basta tu pecho con Pablo Milanés.

El famoso poema Nº XX de "Veinte poemas de amor y una canción desesperada" de Pablo Neruda en la cálida voz de Alberto Cortez que intensifica su emoción.

Paco Ibañez - La canción desesperada - Pablo Neruda

Una vez escruto  sus Veinte poemas de amor y una canción desesperada, donde todavía se nota una influencia del modernismo, rompe con este movimiento. 

Posteriormente, se manifestó un propósito de renovación formal, de intención vanguardista, en tres breves libros publicados en 1926: El habitante y su esperanza, Anillos (en colaboración con Tomás Lago) y Tentativa del hombre infinito. 

En 1927, comenzó su larga carrera diplomática por Asia, América y Europa contactando allí donde iba con poetas tales como Federico (Buenas Aires) o Rafael Alberti (Barcelona). Pregonó su concepción poética de entonces, la que llamó "poesía impura", y experimentó el poderoso y liberador influjo del surrealismo. Como aspecto de su vida, señalar que en 1930 se casó con la holandesa María Antonia Hagenaar Vogelzang, Maruca —se la cita como Maruca Reyes, Maruca de Reyes y Maruca Neruda—. Separándose seis años más tarde. Antes de separarse de ella, en 1935, Manuel Altolaguirre le entregó a Neruda la dirección de la revista Caballo verde para la poesía, donde fue compañero de los poetas de la Generación del 27. Ese mismo año apareció la edición madrileña de Residencia en la tierra. 

En 1936 estalla la Guerra Civil Española. Conmovido por ella y por el asesinato de su amigo García Lorca, Neruda se compromete con el movimiento republicano, primero en España y luego en Francia. En el 37 vuelve a Chile. En este momento su poesía se caracterizará por una orientación hacia cuestiones políticas y sociales, entablando igualmente relaciones con otros hombres de la cultura orientados a la izquierda como el al poeta mexicano Octavio Paz, “su enemigo más querido” 

Más tarde, y dentro de su labor diplomática, gestiona la llegada de refugiados republicanos al continente americano tal como al Winnipeg, barco que llevaría a cerca de 2.000 inmigrantes españoles desde Francia a Chile. Poco tiempo después, es asignado como cónsul general en México, donde reescribe su Canto General. Otra de sus grandes obras, que quedará pendiente de leer en un futuro. 

Neruda retorna a Chile en 1943 —año en que se casó con Delia de Carril, la Hormiguita, en México, siendo elegido senador y uniéndose poco después al Partido Comunista, donde militaban sus dos más férreos rivales, los poetas Pablo de Rokha y el otrora ultraísta Vicente Huidobro. 

En las elecciones presidenciales de 1946 triunfa la Alianza Democrática, una coalición integrada por radicales, comunistas y demócratas, que lleva al poder a Gabriel González Videla. Sin embargo, el hombre que llega con el apoyo de la izquierda se revuelve contra ella iniciando una represión contra los trabajadores mineros que lleva a Neruda a la oposición más absoluta a su Gobierno. La cosa pasa a peor tras la aprobación de la Ley de Defensa Permanente de la Democracia, que culminará en la prohibición del Partido Comunista el 3 de septiembre de 1948. Neruda se transforma entonces en el más fuerte antagonista del presidente, dictando discursos en el Senado y publicando artículos contra el Gobierno en el extranjero, ya que el diario comunista El Siglo estaba bajo censura. Neruda criticó fuertemente a González Videla llamándolo "rata". 

Neruda no tiene más remedio que huir y jugándose la vida llega a Argentina, a caballo. Desde allí pasa a París y protegido por varios amigos, entre ellos Picasso, - que sabemos que fallece en 1973, logra regularizar su situación. 

Reaparece públicamente en la sesión de clausura del Primer Congreso del Movimiento Mundial de Partidarios de la Paz y es nombrado miembro del Consejo Mundial de la Paz. Durante su exilio vive en Capri y Nápoles con su futura esposa, la definitiva, Matilde Urrutia. 

En Italia en 1952, publicó de forma anónima Los versos del capitán. Al poco tiempo regresa a Chile. Lo esperaba su mujer Delia del Carril y es recibido con varios actos públicos.La obra fue impresa por su amigo Paolo Ricci y sólo 11 años más tarde se publica bajo la autoría de Neruda en Chile. Era el año 1963, con una nota explicativa de su autor de por qué decidió quitarle el anonimato, con firma en Isla Negra en noviembre de ese año. «El Capitán» parece que escribe los versos a Rosario de la Cerda. 

El libro está dividido en cinco grupos de poemas breves, y finaliza con dos poemas de mayor longitud, titulados «Epitalamio» y «La carta en el camino». Los distintos poemas son los siguientes: 

El amor En ti la tierra La reina El alfarero 8 de septiembre Tus pies Tus manos Tu risa El inconstante La noche en la isla El viento en la isla La infinita Bella La rama robada El hijo La tierra Ausencia

El deseo El tigre El cóndor El insecto Las furias El amor Siempre El desvío La pregunta La pródiga El daño El pozo El sueño Si tú me olvidas El olvido Las muchachas Tú venías

Las vidas El monto y el río La pobreza Las vidas La bandera El amor del soldado No sólo el fuego La muerta Pequeña América Oda y germinaciones I II III IV V VI Epitalamio La carta en el camino

De los mismos tres he seleccionado: 

Tus manos 


Tu risa. (dedicado a Matilde Urrutia y Pablo Neruda) Voz y piano : Luigi Maria Corsanico Musica : cover - Joe Hisaishi - La Pioggia (from Piano Stories III)


Si tu me olvidas

Desde 1954 sigue con su obra Las uvas y el viento (en donde se encuentra una elegía a Stalin) y Odas elementales. En 1953 recibe el Premio Stalin para la Consolidación de la Paz entre los Pueblos. 

En 1955 se separó de su esposa Delia, y comenzó a vivir con Matilde Urrutia con la que se casó en 1966 en una sencilla ceremonia civil y privada en su casa de Isla Negra donde conserva sus particulares colecciones de caracolas y mascarones de proa.. 

En 1958 apareció Estravagario con un nuevo cambio en su poesía. La Academia Sueca consideró candidato al Premio Nobel de Literatura a Neruda en 1963 , y en 1965 se le otorgó el título de doctor honoris causa en la Universidad de Oxford, el Reino Unido. 

En 1969 fue nombrado miembro honorario de la Academia Chilena de la Lengua. Ese año, durante la campaña para las presidenciales, el Partido Comunista lo eligió precandidato, pero renunció en favor de Salvador Allende, que se convirtió en el candidato único de la Unidad Popular. El gobierno de Allende lo designó embajador en Francia. 

El 21 de octubre de 1971, Neruda recibe la noticia de que es galardonado con el Nobel y viajó a Estocolmo a recibirlo el 10 de diciembre. En sus Memorias, el poeta recuerda: «El anciano monarca nos daba la mano a cada uno; nos entregaba el diploma, la medalla y el cheque [...] Se dice (o se lo dijeron a Matilde para impresionarla) que el rey estuvo más tiempo conmigo que con los otros laureados, que me apretó la mano con evidente simpatía. Tal vez haya sido una reminiscencia de la antigua gentileza palaciega hacia los juglares». En palabras del crítico Harold Bloom, "ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él". 

Su última aparición en público fue el 5 de diciembre de 1972, donde el pueblo chileno realizó un homenaje al poeta en el Estadio Nacional. 

En febrero de 1973, por razones de salud, renuncia a su cargo de embajador en Francia. Después del golpe militar del 11 de septiembre su salud se agrava y el 19 es trasladado de urgencia desde su casa de Isla Negra a Santiago, donde muere debido a un cáncer de próstata el 23 a las 22.30 en la Clínica Santa María. 

Tras su muerte la casa de Neruda en Santiago fue saqueada después del golpe encabezado por el general Augusto Pinochet y sus libros, incendiados. El funeral del poeta fue realizado en el Cementerio General. Al mismo acudieron los miembros de la directiva del Partido Comunista, a pesar de estar perseguidos por el régimen. Aunque los asistentes estaban rodeados de soldados armados de ametralladoras, se escuchaban desafiantes gritos de homenaje a él y a Salvador Allende, junto a la entonación de La Internacional. 

Después del funeral, muchos de los asistentes que no pudieron huir acabaron engrosando las listas de desaparecidos por la dictadura. Sus restos descansaron primero en el mausoleo de la familia Dittborn, que les había cedido un espacio, y siete meses después fueron trasladados al nicho 44 del módulo México. 

El 11 de diciembre de 1992, los restos de Neruda y Matilde Urrutia fueron exhumados y llevados para un velatorio ceremonial en el Salón de Honor del ex Congreso Nacional. Al día siguiente se dio cumplimiento al deseo del poeta: que sus restos fuesen enterrados en su casa de Isla Negra. Ese lugar y todas las demás pertenencias son ahora museos administrados por la Fundación Neruda.