Alto riesgo

Anoche quise ya poner punto y final a un libro entretenido y que te engancha desde las primeras páginas. Se trata de Alto riesgo, una novela histórica del autor británico Ken Follett publicada en el 2001 con el título original de Jackdaws ambientada en el período final de la Segunda Guerra Mundial. La edición que me he leído corresponde con la traducción realizada por José Antonio Soriano Marco para la editorial Debolsillo que la sacó a la venta en 2003. 

Es un buen libro que tiene como protagonista absoluta a Felicity Clariet, "Flick" es una de las agentes más valiosas de la unidad británica que realiza operaciones de sabotaje en el Norte de Francia con la colaboración de la Resistencia francesa. 

Se desarrolla en los días previos al día del desembarco de los aliados, pero los alemanes saben que será pronto, comenzando su relato el 28 de mayo de 1944 con el fallido intento de la destrucción del mayor centro de comunicaciones de la Francia ocupada se encuentra en Sainte-Cécile, cerca de Reims, y acaba formalmente la aventura el martes 6 de junio de 1944 en un avión de regreso a Inglaterra y la visión de los barcos lanzados al desembarco de Normandia. 

La protagonista absoluta es la ya nombrada "Flick" capaz de convencer a sus mandos de que el éxito del desembarco aliado depende de la anulación de las líneas de comunicación con Alemania. Tras un primer y fallido intento por parte del grupo de resistentes que ella dirige a la central de Sainte-Cécile que ocupa un antiguo castillo del siglo XVII. Y que no sólo fracasa, sino que supone el desmantelamiento del mismo, en el que está integrado su marido Michel, "Flick" vuelve a la carga y sus superiores le conceden una última oportunidad de cumplir la misión. 

El nuevo plan requiere un grupo exclusivamente femenino y no profesional para poder entrar al castillo utilizando la identidad de las limpiadoras. Debe reclutar y entrenar al equipo en cuestión de días. Y lo hace con un grupo variopinto de chicas de todo pelaje , desde la aristócrata hasta una zíngara, pasando por una veterana del East-End, un travesti, o una chica con pajaritos en la cabeza, etc… 

Frente a Flick hay un antagonista alemán que la sigue como un perro de presa. Se trata de Dieter Franck, que siempre va unos pasos por detrás hasta el final. Entre medias la historia del reclutamiento, preparación y el inicio de una atracción hacia un oficial norteamericano, Paul. 

Tras muchos avatares entre los que cabe destacar detenciones de compañeros y compañeras de Resistencia, de espías infiltrados, de fortísimos y crueles interrogatorios llegamos a acto final de infiltrarse en el castillo a la vista de los nazis y del cumplimiento de la misión pagando para ello un alto precio. 

Estamos ante una novela entretenida que mezcla intriga y romance en un entorno bélico ambientado en la Segunda Guerra Mundial que hace al libro no sólo interesante sino trepidante. Te atrapa desde el principio ritmo trepidante, escrito con el estilo ligero y ameno de Follet, lleno de aventuras. Una muy buena novela y , sobre todo,  muy recomendable su lectura a todo el mundo. 

Un tecnológico cincuentón

Desde hace ya un tiempo, yo diría que un año, unos cuantos amigos , pocos, porque amigos, que realmente sean, a uno le quedan pocos, una vez filtrados unos - los conocidos- y decantados los que quedan - los amigos- tenemos un grupo de whatsapp con curioso nombre que no viene a cuento , pero en el que nos enviamos todo tipo de tonterías y, sobre todo ocurrencias, que llegan a nuestros individualizados u otros grupales "güasat" o que encontramos en ese proceloso mar que es twitter.A éstos  se han sumado sobrinos y sobrinas , así como mis compañeros de Departamento.

Pues bien, al grupo y a su idenficación - estamos únicamente tres-  cada vez vamos aportando más experiencia y sobre todo una pila de años. Ya sumanos entre los tres 149 años. hay uno que todavía escapa de la cincuentena, pero se aproxima peligrosamente a ella, y en breves fechas caerá. Hoy he entrado yo en el grupo, y en vez de los consabidos mensajitos nos hemos llamado. Evidentemente hay confianza y sobre todo cariño. Tanta confianza que,  en algún momento, han llamado telefónicamente, y mi mujer les decía que ya me pondría al teléfono, que ahora estábamos atendiendo a los invitados que en número extenso había invadido fraternalmente el salón. Para ellos, mis invitados e invitadas,  para todos los que me han felicitado, y también para mis queridos "cincuentones"  que os habéis acordado de mí, aunque como diría "pappo" Napolitano por medio de Andrés Calamaro "me esté viniendo viejo",  un fuerte abrazo a todos por acordaros en este día de suma y espero que sigue.

Desde Heathrow con música (y recuerdos)

Aeropuerto de Heathrow. 30 de agosto de 1996, en tránsito a Barajas, tras haber aterrizado horas antes en el aeropuerto de Gatwick, una vez abandonadas las islas Seychelles. En ese tránsito pasé a la Duty Free. Con dinero de por medio, con libras esterlinas en el bolsillo, me pasé primero por una tienda de vino. En la bolsa metí, una vez pasada por caja una botella de vino. Era australiano y estaba a un precio razonable. Después pasé por una tienda de música y entre todo los que había, a un precio fantástico se encontraba un doble CD que llevaba por título Best of Acid Jazz y que había sido producido por Global TV, y lanzado al mercado el 13 de mayo de ese año. 

Yo, para entonces, escuchaba un programa musical que lo emitía Canal Sur radio, no recuerdo en qué frecuencia y que a eso de las tres de la tarde emitía música de jazz, bossa nova, especialmente tras la muerte de Antonio Carlos Jobim, y también algo de Acid jazz. Yo no tenía muy claro que era ese género, pero me gustaba. Se trataba de un estilo musical que surgió de la experimentación y sobre todo fusión de géneros principalmente afroamericanos. Tiene sus orígenes en Inglaterra a finales de los años ochenta como una alternativa más en la escena dance de aquel entonces, comenzando a difundirse en discotecas locales para eventualmente alcanzar popularidad a nivel nacional. 

Sería en los años noventa cuando llegó a tener cierto éxito más allá de las fronteras británicas y llegó a mí. Conocía el sonido, no así a los músicos hasta que llegué a Londres. Ellos eran , básicamente, agrupaciones británicas o cantantes entre los que destacaban Jamiroquai, Incognito y Brand New Heavies. 

Lo cierto es que el acid jazz tiene mucho que ver con la fusión de jazz, funk y hip hop, pero también con la música disco de los setenta y primeros ochenta. A día de hoy la venta de este CD se define en la web de www.allmusic.com como un género vinculado con el R&B, la música Electronic, e incluso el Rap . Y como estilo la vinculan literalmente con Acid Jazz Alternative Rap Club/Dance House Jazz-Rap Soul Trip-Hop Urban 

Parece ser , por lo que he leído, que el origen se encuentra en la música afroamericana de los años 70 dando lugar, inicialmente, al estilo rare groove, que combinaría una inmensa variedad de géneros bailables y/o rítmicos, desde funk, soul, R&B, jazz-funk, northern soul, jazz fusion y jazz latino, hasta estilos de música electrónica de baile (house, disco, downtempo) y hip hop. 

Los grupos más representativos del movimiento acid jazz incorporan aspectos relevantes de jazz-funk, más componentes de música electrónica de baile y detalles notados en hip hop, por lo cual consolidan una fusión distintiva dentro del jazz y de la música popular. 

En el acid jazz, cabe destacar la presencia de un "groove" que marca el ritmo y la comunicación de todos los integrantes de una banda, algo procedente del jazz-funk. Suena en ella esecialmente los sonidos metálicos ligados a los de viento tales como la Trompeta, Trombón, Saxofón, Flauta, instrumentos de cuerda como guitarras, el Turntable, o sea, el tocadiscos con sus variaciones y picados , así como el Sintetizador, el piano, la guitarra eléctrica, el bajo, la batería y , por supuesto, la voz. El bajo, la batería y el sintetizador marcan casi siempre los ritmos que, en ocasiones, abren las composiciones con aparente improvisaciones y cambios rítmicos. El bajo emplea slap – el golpe de la cuerda con el mástil- con moderación, y es más melódico y menos percusivo que en el funk.

El término "rare groove", fue acuñado por el DJ británico Norman Jay y es que el Rare groove designaba una escena underground radicada en discotecas y estaciones de radio, en la cual los DJs mezclaban temas desconocidos de jazz-funk, fusion jazz, latin jazz, R&B, soul y disco, con la recién nacida música house. Fue cuando Gilles Peterson, un reconocido DJ de la escena, inició en una discoteca londinense de Camden Town, coincidiendo con el acid house. 

De la mezcla de uno y otro surgió el acid jazz. Peterson fundó la discográfica —a la que daría el nombre de— Acid Jazz junto al DJ Eddie Piller, quien había representado a la banda James Taylor Quartet. Con el tiempo, ésta como muchas otras agrupaciones decidieron firmar contrato con Acid Jazz como Galliano, Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Mother Earth, Sandals y Corduroy, que lograron cierto reconocimiento en el medio musical. En esta discográfica grabó Jamiroquai, sólo su primer sencillo "When You Gonna Learn?" (después pasó a Sony Music Entertainment). 

El CD doble contenía múltiples canciones y las que he escuchado en esta ocasión son las siguientes canciones Cantaloop (Flip Fantasia) de Rashaan / Us3 compuesta por Herbie Hancock / Rahsaan Kelly / Mel Simpson / Geoff Wilkinson; Space Cowboy del más famoso artista aciz jazz, Jamiroquai, una canción compuesta por Steve Miller / Ben Sidran; Midnight at the Oasis compuesta por David Nichtern interpretada por The Brand New Heavies, al igual que Never Stop de Jan Kincaid. 

De Incognito escuché Everyday compuesta por Peter Hinds / Jean-Paul "Bluey" Maunick. La conocida por la publicidad de la época Turn On, Tune In, Cop Out de Freak Power obra de Norman Cook; de Spearhead escuché People in the Middle de Michael Franti y de Des'ree Feel So High compuesta por el mismo y por Michale Graves. De Digable Planets la canción Rebirth of Slick (Cool Like Dat) compuesta por Ishmael Butler. Feel the Music de Guru con la composición de Keith Elam y Ray Hayden , anteceden a Been Thinking About You de Martine Girault; y un clásico de Miles Davis que lleva por título So What Escuchamos la versión de Ronny Jordan. De Drizabone oíamos Real Love canción compuesta por Billy April / Tony "Dr. Edit" Garcia. 

La decimocuarta es Spritual Love interpretada por Urban Species; por parte de The New Jersey Kings está la canción Green Screen compuest por James Taylor. Curiosamente James Taylor Quartet escuchamos la versión de la celebérrima Mission Impossible de Lalo Schifrin. Keep Steppin' compuesta por David Frank y Omar Lye-Fook e interpretada por Omar; a la que sigue Heavy Vibes la composición de Vince Montana interpretada por Vibraphonic. 

Para acabar dos piezas más Boundaries de Leena Conquest , que acompañada de Alan Gorrie / Holler / Joe Popp, interpreta la canción , así como Take the L Train (To 8th Avenue) compuesta por Lati Kronlund interpretada por Brooklyn Funk Essentials.

 Como veis , buena música de importancia, con estilo pasajero del que ya prácticamente no tiene vigr ni casi recuerdos, pero que está bien para un inminente cincuentón tecnológico.

Joe Cocker, in memoriam

El pasado 22 de diciembre a eso de las 11 de la noche, me sorprendió una noticia que aparecía en mi twitter en la que se nos informaba de la muerte de uno de los cantantes que más me han impresionado a lo largo de mi vida por su voz grave, profunda y desgarrada, por sus gestos, por sus gritos y por cantar como rock y soul con un tono particular e inimitable. Hablo del cantante británico Joe Cocker que había nacido hacía 70 años en Sheffield, ciudad del centro de Inglaterra. 

Su agente, Berrie Marshall, “Fue el mismo hombre durante toda su vida. Tenía verdadero talento, era una auténtica estrella, pero al mismo tiempo un hombre amable y humilde que amaba estar sobre el escenario. Cualquiera que le haya visto alguna vez en directo no podrá olvidarle”. 

Comenzó en una banda, Vance Arnold, en los sesenta. Más tarde con su banda, los Avengers, y su poderosa voz, versionaban éxitos de Chuck Berry y Ray Charles y en 1963 telonearon a los Rolling Stones en Sheffield. En el 64 grabó su primer disco. Cinco años años más tarde participó en  Woodstock donde realizó una actuación memorable.

En 1970 se embarcó en una monumental gira por 48 ciudades de Estados Unidos acompañado por cuarenta músicos, que se llamó Mad dogs & Englishmen que fue recogido en un álbum en directo y en una película. Publicó Cocker en 2012 su último álbum, grabado en estudio y con el título de Fire It Up, el último de su larga carrera. Su último concierto fue en junio de 2013 en la mítica sala londinense del Hammersmith Apollo. 

Uno de los primeros y más importantes hits de Cocker no fue una composición propia, circunstancia que se repetiría a lo largo de su singladura profesional y fue su personalísima versión del tema With a Little Help of my Friends, de Los Beatles, y que nos dejó para la historia su interpretación sobre un escenario de Woodstock 69, cuando el cantante solo tenía 25 años, recogida en la película del festival que le supuso ser su primer número uno alabada por el propio Paul McCartney. 

Más tarde, encadenó otros éxitos, muchos ligados a bandas sonoras You can Leave Your Hat On con la de Nueve semanas y medio, Up Where we Belong de Oficial y Caballero y que le valió un Grammy y un Oscar en 1983. A estas se suman otras como You Are so Beautiful o Unchain my Heart, que le llevarán , y para siempre en el olimpo musical . 

Hoy mientras cocinaba he estado escuchando, a modo de homenaje su album Joe Cocker Live grabado en directo el 5 octubre de 1989 en el Memorial Auditorium de Lowell, Massachusetts con la excepción de los dos últimos cortes, grabados en estudio y publicado en mayo de 1990 por el sello Capitol, siendo sus productores Michael Barbiero, Michael Lang y Steve Thompson. 

El CD original, y que compré en El Corte Inglés hacia el año 1993 está compuesto por las siguientes canciones:

1. "Feelin' Alright" (Dave Mason) – 4:43 

2. "Shelter Me" (Nick Di Stefano) – 4:26 

3. "Hitchcock Railway" (Donald Lewis Dunn, Tony McCashen) – 3:58 

4. "Up Where We Belong" (Jack Nitzsche, Buffy Sainte-Marie, Will Jennings) – 4:35 

5. "Guilty" (Randy Newman) – 2:40 

6. "You Can Leave Your Hat On" (Newman) – 4:20 

7. "When the Night Comes" (Bryan Adams, Jim Vallance, Diane Warren) – 4:52 

8. "Unchain My Heart" (Robert W. "Bobby" Sharp, Jr.) – 5:50 

9. "With a Little Help from My Friends" (John Lennon, Paul McCartney) – 9:13 

10. "You Are So Beautiful" (Billy Preston, Bruce Fisher) – 4:23 

11. "The Letter" (Wayne Carson Thompson) – 4:31 

12. "She Came in Through the Bathroom Window" (McCartney) – 2:30 

13. "High Time We Went" (Joe Cocker, Chris Stainton) – 7:58 

14. "What Are You Doing With a Fool Like Me" (Diane Warren) – 4:51 

15. "Living in the Promiseland" (David Lynn Jones) – 3:55 

En esa grabación participa Joe como vocal y al que se suman Phil Grande, Earl Slick como guitarras, Keith Mack – como guitarra rítmica, T.M. Stevens como bajo y apoyo vocal, Deric Dyer - al igual que Andrew Love, – como saxo tenor y percusión, Jeff Levine y Chris Stainton como teclados. También están presentes Gary Buho Gazaway y Wayne Jackson como trompeta, Steve Holley y Keni Richards como baterias, Bashiri Johnson y Crystal Taliefero en la percusión. Como acompañamiento vocal femenino contó con Tawatha Agee, Doreen Chanter , Maxine Green y Vaneese Thomas con Fonzi Thornton. Como ingeniero está el productor Michael Barbiero, Michael Lang, Steve Thompson, Guy Charbonneau y el fotógrafo Herb Ritts. Un buen rato musical para este músico que hemos perdido y al que echaremos de menos. Os dejo la que para mí es su actuación más memorable, lógicamente, en Woostock. In memoriam, Joe!

Yo también te recuerdo, Amanda

En mi casa uno de los discos de referencia era el Víctor Jara. Era uno de los grandes éxitos que pululaban en mi casa y presentaba la imagen del comprometido cantautor chileno en blanco y negro. Me sirvió en 1983 para presentar una lámina en esa materia que era EATP, - estaba en 2 de BUP- en tinta china. Recuerdo que, en parte por ella, aprobé. Víctor Jara era un referente internacional de la canción protesta y un magnífico cantautor, y uno de los artistas más emblemáticos del movimiento músico-social llamado «Nueva Canción Chilena».
Ejerció como director artístico del mítico grupo Quilapayún entre 1966 y 1969. Su ideología comunista se refleja en su obra artística, en canciones como «Preguntas por Puerto Montt», «A Luis Emilio Recabarren» «A desalambrar» «Duerme, duerme negrito», «Juan sin tierra», «Abre tu ventana», «A la molina no voy más», «La partida»,«Ni chicha ni limoná» , «El niño yuntero», «Plegaria a un Labrador», «Vamos por ancho camino» y la inolvidable « Te recuerdo Amanda» que me ha traído hasta aquí.
Era muy habitual encontrar en mi casa a mi hermano, hermanas o a mí mismo escuchar y cantar un disco que nos sabíamos como decimos nosotros de "pe a pa"
Tras el golpe de Estado que derrocó al gobierno de Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973, Víctor Jara fue detenido por las fuerzas golpistas leales a Ausgusto Pinochet. Fue torturado y posteriormente asesinado en el antiguo Estadio Nacional de Chile, ahora renombrado «estadio Víctor Jara». Como está tarde viniendo a casa he escuchado por la Radio, Radio 5, una magnífica versión de « Te recuerdo Amanda» por parte de Soledad Giménez con los "Presuntos Implicados", la que fuese cantante de Presunto Implicados, no he podido evitar realizar esta entrada con algunas de sus versiones por mí conocidas- la del valenciano Raimon, la de Soledad Giménez y por supuesto, la de Víctor Jara- en honor áquel que murió con 41 años por culpa de la intolerancia. Un saludo.

La versión del cantautor valenciano Raimon. 

La versión escuchada en la radio, la de Soledad Giménez .
  

La versión original, la de Víctor Jara.

 

PD. Hace unos años estuve en Quimper (Bretaña) junto con mis hijos y esposa. Un cantante callejero tocaba la guitarra en un entorno de música celta, pues era una semana de festividades celtas en la localidad a finales del mes de julio. De pronto el chico, que era sudamericano, empezó los acordes de una canción que para mí era inolvidable y que empezaba con un "Te recuerdo Amanda..." Para los bretones presentes era una canción más, para ellos no era nada, sólo una canción en castellano, pero para mí era, de pronto, un  viaje en el tiempo, y no pude evitar ponerme a cantar junto a él.

42 años esperando un regalo

Es increíble pero cierto. El Córdoba no ganaba en partido oficial - si ganamos en pretemporada contra el equipo del Casablanca- en  El Nuevo Arcangel desde mayo, cuando en el primer sábado de feria ganamos 2-0 al Real Madrid B. Desde ese momento el Córdoba inició una Odisea en casa para que nunca les llegara la victoria. En junio, pasó el Mallorca y en los play off pasaron Murcia y Las Palmas, empate sin goles y con todo siendo séptimos en la Liga regular subimos a primera, gracias a la diosa fortuna.

Desde ese momento contábamos los partidos por empates, los menos malos, y por derrotas, los más dolorosos. Sin embargo, anoche, noche de reyes, éstos dejaron un regalito en el campo a eso de las diez y media pasadas, tres puntos más que necesarios. Por fin el Nuevo Arcangel dejaba de parecerse a las Urgencias de un hospital, pues todos los que venían salían con puntos. Un saludo

Un centenario planetario y musical

La primera sorpresa para esta banda sonora utilizada por mi parte para la película del año 1914 The Squaw Man, y realizada por Cecil B. DeMille, en ese lugar que , con el tiempo, será Hollywood, es la de autor. Estaba convencido que era alemán, y , sin embargo, es inglés. Eso sí sabía que su obra más conocida era The Planets (Los planetas) la opus 32. 

Gustav Holst compuso está obra hace un siglo , entre los años 1914 y 1916, y la misma fue presentada en sociedad el año 1918. Se trata de una suite de siete movimientos a cada uno de los cuales Holst le dio el nombre de un planeta o de un díos, según queramos verlo. 

La historia de la composición se remonta a la sugerencia realizada por su amigo y también compositor Clifford Bax, durante un viaje a Gibraltar – Gibraltar gaditano, gaditano- en 1912. El compositor se puso a la tarea y completó la suite en los cuatro años que duró la Primera Guerra Mundial. 

La presentación pública de la obra será a través de la dirección de Adrian Boult el 29 de septiembre de 1918, que desde entonces se convirtió en el director favorito de Holst. Dicha primera ejecución (de carácter privado) se debió a un "regalo" al compositor de su amigo y también compositor Henry Balfour Gardiner. 

Está parcialmente inspirada por meditaciones en su propio horóscopo; trata de "las siete influencias del destino y componentes de nuestro espíritu". A pesar de ello, el propio Holst declaró que la obra se basaba en la significación astrológica de los siete planetas representados en ella, por lo que , según Holst,  que "no había relación alguna con las deidades de la mitología clásica correspondientes a cada planeta”.

The Planets, como reza su subtítulo, es una suite "para gran orquesta". Aparecen en ella instrumentos nada habituales, como la flauta baja o el oboe barítono o bajo y sobre todo un nutrido grupo de instrumentos de percusión (bombo, batería, platillos, Triángulo (instrumento musical), tambor militar, pandereta, gong, campanas, xilófono y glockenspiel, así como dos timbalistas) y metal (6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, bombardino y tuba). 

La suite está formada por los siguientes movimientos: Marte, el portador de la guerra; Venus, el portador de la paz; Mercurio, el mensajero alado; Júpiter, el portador de la alegría; Saturno, el portador de la vejez; Urano, el mago y Neptuno, el místico. 

El planeta Marte fue el primer movimiento de la suite en ser terminado, (agosto de 1914). Mercurio fue terminado en 1917. Y mientras Marte, era brutalidad y agresividad, Mercurio transmite agilidad y ligereza. 

Júpiter, viene a ser la pieza más conocida de la obra, y ha sido utilizada en documentales como el de Andalucía, o por incluso en por Conan, con una solemne melodía central que parece recordar a Brahms. Saturno no solamente nos describe el carácter "serio, circunspecto y triste" del planeta, sino describe el propio estado de ánimo del compositor tras sufrir una neuritis. Urano parece estar inspirado en El aprendiz de brujo de Paul Dukas y Neptuno, en parte, en Debussy.
La versión que he escuchado es  la realizada por la CSR Syphony Orchestra de Bratislava en el año 1988 cuando el país era todavía Checoeslovaquia . Se grabó entre los días 26 y 30 de noviembre de 1988 y en abril de 1989 bajo la dirección de Adrian Leaper. 

Y para dejar una muestra de lo escuchado enlazo este video sobre Los Planetas, - no, no confundir con el grupo español interesado en recaudar dinero de las agencias de cobro de derechos de autor, sino con la original, la del músico inglés , áquel que necesitaba trabajar para cobrar, no como otros que quieren vivir de las rentas.

La novena para el segundo

No , no es un propósito de año nuevo, pero si es una casualidad que en un par de días haya optado por escuchar música clásica para acompañarme en este caso en la limpieza de la casa. Y he escogido a dos pesos pesados uno del pasado, el gran Ludwig van Beethoven, y otro del presente, el director argentino Daniel Barenboim que junto a la Berliner Staatskapelle y al Coro (Chor) der Deustchen Staatsoper Berlin también conocida como la Staatsoper Unter den Linden, la Ópera Estatal de Berlín o la Unter den Linden (Bajo los tilos) desde 1992. Con ella me he ambientado el trabajo por medio de la Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125, conocida también como "Coral", o sea, la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. 

¿Quién no conoce el segundo movimiento y el cuarto de la misma? Pues bueno, …mis hijos y es que el conocimiento de la música clásica es algo en retroceso y salvo aquellos alumnos que van a Conservatorios, al resto le llega la información de manera muy mermada, pues la Educación Musical, ya sea en Primaria, ya sea en Secundaria es muy, muy deficiente. Un buen ejemplo es que yo mismo, sin tener ni idea de música, le he tenido que impartir a lo largo de mi vida en varias ocasiones. ¡Andalucía, imparable!. 

La novena sinfonía es una de las obras más trascendentales, importantes y populares de toda la música clásica. De hecho una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan en 1972 es el himno de la Unión Europea (UE). Su último movimiento, el cuarto y la introducción del elemento coral se ha convertido en símbolo de la libertad.

La historia de esta creación se remonta al año 1817 cuando la Sociedad Filarmónica de Londres le encargó al músico nacido en Bonn la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven. Todo el canto parece inspirado en un poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre 1785), conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 póstumo en la versión definitiva. Parece ser que Beethoven tenía la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. La parte más impactante de la obra es la introducción vocal de la sinfonía. El movimiento cultural Sturm und Drang (tempestad y emoción), que sacudía a los artistas germanos a finales de siglo XVIII, como ayer vimos en Haydn, supone la disolución de las formas cortesanas optando por dar más peso a la libertad y el sentimiento y rechazando el racionalismo riguroso. Estamos en la antesala del romanticismo. De hecho con esta obra, Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo romántico rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas a esta incipiente libertad individual, en la que Beethoven ejerce vendiendo libremente sus obras, sin necesidad de mecenazgo. Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlín tan pronto como fuera posible después de terminarlo, dado que pensó que el gusto musical en Viena estaba dominado por compositores italianos como Rossini, pero sus amigos le motivaron a estrenar la sinfonía en la misma Viena. 

El estreno de la novena sinfonía fue diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y las tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de doce años; la sala estuvo llena. Nadie quiso perderse el estreno de la sinfonía y de la que se presumía sería la última aparición pública del genio alemán, y efectivamente así fue: en los tres años siguientes, se recluyó en casa aquejado de diversas enfermedades que lo postraron hasta su muerte. La interpretación fue oficialmente dirigida por Michael Umlauf, maestro de capilla, él y Beethoven compartieron el escenario. 

La parte cantada que corresponde a una soprano y alto fueron interpretadas por las jóvenes y famosas: Henriette Sontag y Caroline Unger. El público terminó encantado, ovacionando a los músicos. 

La sinfonía con una duración aproximada de 74 minutos, consta de los siguientes instrumentos de viento (Piccolo, 2 Flautas, 2 Oboes, 2 Clarinetes, 2 Fagotes y un Contrafagot), metales (2 Trompas, 2 Trompetas, 3 Trombones), Percusión (Timbal de concierto, Bombo, Triángulo y Platillos), Voces (Soprano, Alto, Tenor , Barítono y Coro) y Cuerdas (Violines, Violas, Cellos y Contrabajo). Posee cuatro movimientos y en el último, el cuarto, es cuando se manifiesta esta vertiente “Coral” por la presencia del coro en la sinfonía. Se podría considerar como música programática el último movimiento, porque tiene como hilo conductor un programa literario basado en la versión definitiva de la “Oda a la Alegría” de Friedrich Schiller, una obra admirada por Beethoven, aunque parte de ese texto tienen un añadido del propio Beethoven por motivos de ritmo o necesidad musical en el poema y se añadido dice: " ¡Oh amigos, no esa tonada! Entonemos otros más agradables y llenos de alegría. ¡Alegría, alegría!". Pues eso, Alegría 

Concierto de año nuevo

Cuando era pequeño, y no tan pequeño, era muy normal para mí despertarme con el concierto de año nuevo que televisión española emitía desde Viena. Valses, Polkas, Marchas estaban presentes de la mano de grandes directores que mandaban con sus batutas a su orquesta y al público con una energía nada contenida.

De todo aquello nada queda. Ya no soy el dueño de mi propio televisor. Mis hijos y la play se han hecho dueños de una situación irreversible, así que la música clásica queda relegada a unos escasos momentos a lo largo del año. Hoy, primer día del año, he querido recuperar esa vieja costumbre sana en lo mental y en lo estético. He elegido a un clásico entre los clásicos, al música austriaco Joseph Haydn y en concreto su sinfonía nº 22 conocida como "Der Philosoph".   La Sinfonía n.º 22 en mi bemol mayor, Hoboken I/22, fue compuesta en 1764.

 Trascribo aquí de la wikipedia lo siguiente: Haydn compuso esta sinfonía cuando era asistente de Kappelmeister en la corte del príncipe Nikolaus Eszterházy. Escrita en 1764, sigue la forma de la sonata da chiesa, aunque el lenguaje de la obra prefigura el desarrollo del sinfonismo clásico. Como ocurre en otras sinfonías tempranas de Haydn que siguen este tempo, todos los movimientos están en la misma tonalidad. Tres de ellos están escritos en forma sonata (el primero, el segundo y el cuarto) y el tercero restante es el acostumbrado minuetto y trío en forma ternaria.

Como  ocurre con las obras de Haydn tiene un sobrenombre. En este caso "El filósofo". ¿A quién debe su nombre? Parece ser que a nadie. Y nuevamente la wikipedia nos da la clave: El título de "Filósofo" no era del propio Haydn. Sin embargo, fue utilizado comúnmente durante su vida. Se cree que el nombre deriva de la melodía y el contrapunto del primer movimiento (entre las cuerdas y el corno inglés), que hace alusión musicalmente a un pregunta seguida de una respuesta, asociado con el sistema escolástico de debate llamado disputatio. 

Al igual que otras sinfonías compuestas en esta época, la obra fue escrita para la pequeña orquesta (menos de veinte músicos) de la corte de la familia Esterházy. Entre los instrumentos los básicos de la época: un fagot (ad libitum), trompas, bajo continuo (clavicémbalo) y cuerdas, a las que se unen dos cornos ingleses ( en lugar del oboe). Las trompas desempeñan un papel destacado en la sinfonía. En este caso está interpretado por la orquesta de Musici di San Marco  / Alberto Lizzio. 

Junto a la anterior he escuchado la Sinfonía n.º 26 en re menor, Hoboken I/26, conocida con el nombre de Lamentatione del mismo compositor austríaco. Fue una una de las primeras escritas en el estilo Sturm und Drang (está en una tonalidad menor). Desde el época de Haydn, la sinfonía se ha conocido como "Lamentatione" a causa del motivo "Christus" del segundo tema del primer movimiento. Se piensa que fue escrita por y para la Semana Santa. 

La tercera y última sinfonía de Haydn es la Sinfonía n.º 53 en re mayor, Hoboken I/53, conocida con su subtítulo "L'Impériale". La sinfonía fue compuesta en 1774 y oruqestada para flauta, dos oboes, fagot, dos trompas y cuerdas. Como las dos anteriores ha sido compuesta por Musici di San Marco  / Alberto Lizzio. Las tres composiciones me han servido como marco sonoro de una película muda de Cecil B. DeMille y que tiene como título The Cheat. Un musical saludo.